Raster presents a meeting of three artists arran­ged especially for ACK: Kyoto-​based Kazuhito Tanaka, Berlin-​based Slawomir Elsner and Warsaw-​based Janek Simon. Their creative approaches, materialised in various media – drawing, sculp­ture, photography and pain­ting – share a con­cep­tual origin. From dif­ferent cul­tural per­spec­tives, the artists analyse and critique artistic represen­tation. In their works, they sub­ject images bor­rowed from visual cul­ture and art history to proces­ses of decon­struc­tion and recon­struc­tion. They do so in order to free our vision from lear­ned, stereo­typical or automatic associations.

Co-​financed by Adam Mic­kiewicz Institute.

JANEK SIMON (born 1977) is a Polish artist who gets inspired by scien­tific theories and models as well as such disciplines like geo­graphy or economics whose func­tions are sub­ject to con­stant civilization chan­ges. In his works he com­bines elements of post-​colonial theory, com­puter science, and anar­chism, with do-it-yourself prac­tices. Simon con­sciously keeps on sear­ching for prac­tices and strategies alter­native to the con­tem­porary cul­ture of mass produc­tion and prevailing system of artistic production.

Meta Folk­lore is a series of figures prin­ted in 3D tech­nology based on a neural network created by the artist. The con­tinually expan­ding database—a set of photographs of the most varied figurative non-​academic sculp­tures from various eras and cultures—is proces­sed based on prin­ciples of machine lear­ning and generates new pat­terns mutated in various ways. Based on these designs, Simon elaborates the final shape of his figures, and then prints individual elements from mul­ticoloured plastic threads and com­poses them into a whole. Simon’s sculp­tures offer a fan­tastic vision of a univer­sal, con­tem­porary folk­lore, generated using AI but drawing on authen­tic sour­ces. Their forms seem futuristic but at the same time intuitively near and familiar, as if logically deduced from a long tradition of non-​academic figurative sculpture.

ヤネク・シモン（1977年生まれ）は、科学的理論やモデル、地理学や経済学といった文明の変化によって常に機能が変化する学問分野から着想を得るポーランドのアーティストです。彼の作品は、ポストコロニアル理論、コンピュータサイエンス、アナーキズムの要素を、DIY（自作）精神と組み合わせたものです。シモンは、大量生産文化や既存の芸術制作システムに対抗する、代替的な実践や戦略を意識的に模索し続けています。

《Meta Folklore（メタ・フォークロア）》は、アーティスト自身が構築したニューラルネットワークをもとに3Dプリントされたフィギュアのシリーズです。常に拡張され続けるデータベース――さまざまな時代や文化における具象的で非アカデミックな彫刻の写真群――が、機械学習の原理に基づいて処理され、さまざまな方法で変異した新しいパターンを生成します。

れらのデザインをもとに、シモンは各フィギュアの最終形態を構築し、マルチカラーのプラスチックフィラメントで個々のパーツを3Dプリントし、それらを組み合わせて全体像を作り上げます。シモンの彫刻は、AIによって生成されながらも真の文化的源泉に基づいた、普遍的で現代的なフォークロアの幻想的なヴィジョンを提示します。その形態は未来的でありながら、同時にどこ
か直感的に身近で親しみを感じさせるもので、まるで長い非アカデミックな具象彫刻の伝統から論理的に導き出されたかのようです

SLAWOMIR ELSNER (born 1976) is a Polish-​German artist who has gained inter­national recognition primarily for his works on paper — colored pencil drawings and water­colors — in which rein­ter­pretations of well-​known motifs from art history become reflec­tions on the memory of the image. He preserves their recognizability while blur­ring the literal represen­tation, giving them a fleeting, almost ephemeral quality. Through the dense struc­ture of over­lap­ping lines, Elsner creates sur­faces that vibrate and pulse with color,  giving his drawings pain­terly depth and inten­sity, while trans­cen­ding the limitations of the traditional medium of paper. 

The three most recent works by Sławomir Elsner share the motif of a woman breast­feeding. The artist juxtaposes Madonna Nur­sing the Christ Child — a Flemish pain­ting from the late 15th cen­tury — with drawings inspired by photographs found on Instagram. In Catholic medieval art, the female breast was per­mis­sible in depic­tions of the Madonna with Child; similarly, today social media plat­forms, in their rules for cen­soring nudity, allow the publication of such imagery only in the con­text of breast­feeding. 

Elsner uses this juxtaposition as a star­ting point for reflec­tion on the status of the image in con­tem­porary cul­ture. The col­lision of religious imagery with social media becomes a space for questioning: what is con­sidered accep­table, and what is hidden? Why do tech­nological cor­porations enforce strict visual policies similar to those once imposed by the Church? Why are par­ticular meanings attributed to represen­tations of the female body and mother­hood? And what is the power of the image today — its ability to shape meanings, norms, and social perceptions?

スワヴォミル・エルスナー（1976年生まれ）は、ポーランドとドイツにルーツを持つアーティストで、主に紙を支持体とした作品――色鉛筆によるドローイングや水彩画――によって国際的に高い評価を得ています。彼の作品では、美術史上の著名なモチーフを再解釈し、イメージの記憶そのものを探る試みがなされています。元の構図や形の「認識できる」部分を保ちながらも、写実的な表現をぼかし、儚く、ほとんど幻のような印象を与えます。密集する線の重なりによって構築された構造は、色彩の振動や脈動を生み出し、ドローイングでありながら絵画的な深みと強度を持ち、紙という伝統的なメディウムの限界を超えています。エルスナーの最新作3点はいずれも「授乳する女性」というモチーフを共有しています。彼は、15世紀末のフランドル絵画《授乳する聖母》を、Instagramで見つけた写真をもとにしたドローイングと並置しています。カトリック中世美術では、聖母子像において女性の胸部を描くことが許容されていました。同様に今日のSNSプラットフォームでも、ヌードの検閲規定において授乳を題材とする画像のみが例外的に許されています。

エルスナーはこの対比を出発点として、現代文化におけるイメージの地位を問い直します。宗教的イメージとソーシャルメディアとの衝突は、「何が許容され、何が隠されるのか」という問いを生み出す場となります。なぜテクノロジー企業は、かつて教会が課したような厳格な視覚規範を維持するのか。なぜ女性の身体や母性の表象には特定の意味づけが与えられるのか。そして今日、イメージにはどのような力があるのか――それは、意味や規範、社会的認識を形づくる力なのです。

KAZUHITO TANAKA (born 1973) lives and works between Kyoto and Fukuoka and is known for his experimen­tal works com­bining photography and pain­ting. The artist has gained inter­national recognition for his analytical works created using analogue color photography. He com­bines elements of studio photography and advan­ced dar­kroom proces­ses with freehand drawing and pain­terly gestures.
In Picture(s), Tanaka con­tinues his exploration of the conver­gence of pain­ting and photography across over a dozen mixed media works: equally formed by abs­tract pain­tings and col­lages made of torn chromogenic photographs. The works sug­gest a series of dialogues from their two distinct materialities. 

Additionally, each offers a com­men­tary on the latency of an image, on its poten­tial to reveal itself to viewers through different registers of opacity. Are the vivid photographic effects of chromogenic prints the inspiration behind the pain­tings? Or, on the con­trary, are the col­lages attemp­ting to follow and mimic the paintingsʼ unique rhythm? In this relation­ship of equals, the answer could simply be “both.” The juxtaposition of two media with distinct iden­tities and histories takes place here on the basis of an unusual, con­tem­plative synergy, free from the ten­sion that often charac­terizes it.

田中 和人（1973年生まれ）**は、京都と福岡を拠点に活動し、写真と絵画を融合させた実験的な作品で知られています。アナログ・カラーフォトグラフィーを用いた分析的な作品によって国際的な評価を得ており、スタジオ撮影と高度な暗室技法の要素を、フリーハンドのドローイングや絵画的な身振りと組み合わせています。

《Picture(s)》において田中は、十数点に及ぶミクストメディア作品を通して、絵画と写真の融合をさらに探求しています。それらの作品は、抽象絵画と、破られた発色現像写真を用いたコラージュの両方から成り立っています。作品群は、異なる二つの物質性のあいだに生まれる対話の連なりを示唆しています。また、それぞれの作品は、イメージの潜在性――すなわち、異なる不透明性の段階を通じて観者に自己を現す可能性――についての考察でもあります。

鮮やかな発色現像プリントの写真効果が絵画の着想源なのでしょうか？それとも、コラージュが絵画の独自のリズムを追いかけ模倣しようとしているのでしょうか？この対等な関係においては、その答えは単純に「両方」であるのかもしれません。異なるアイデンティティと歴史をもつ二つのメディアの対置は、ここではしばしば緊張を伴う関係性から解放され、静謐で思索的なシナジーのもとで成立しています。